Mostre

Mentre Lisbona, con la Triennale di Architettura in mostra dal 2 ottobre all’8 dicembre 2025, spalanca le sue porte al dibattito internazionale su “quanto pesa”, nell’era dell’antropocene la città con il suo fardello di 30 trilioni di tonnellate di prodotti, processi, scarti, infrastrutture, tecnologie, flussi energetici e materiali di origine antropica che compongono la cosiddetta “Tecnosfera”, al MAAT (Museum of Art, Architecture and Technology) si parla di esperienze multi-sensoriali e nuove frontiere della percezione, di libertà e immaginazione.

UNO E TRECENTO MAN RAY, tante identità quante sono le opere esposte nell’imperdibile mostra a Palazzo Reale a Milano dell’artista, pseudonimo di Emmanuel Radnitzky (Filadelfia 1890 – Parigi 1976), “battezzato” uomo raggio di luce (Man Ray), nel 1921, da Marcel Duchamp (1887 – 1968), amico e complice di sperimentazioni audaci. Stiamo parlando di uno spirito libero dalla mente istrionica, pittore, scrittore, fotografo, regista che non copiava la realtà, ma esplorava nuove prospettive, un genio inafferrabile, fedele alla sua libertà espressiva e alla ricerca del piacere dell’immagine, che ha marcato l’estetica del Novecento. Tutto ciò che ha creato continua a influenzare la cultura visiva contemporanea.
Lo dimostra con 300 opere (tra fotografie vintage, disegni, litografie, oggetti e documenti provenienti da importanti collezioni pubbliche e private), la retrospettiva intitolata Man Ray – forme di Luce, (visitabile fino all’11 gennaio 2026) promossa dal Comune di Milano – Cultura e prodotta da Palazzo Reale e Silvana Editoriale, curata da Pierre-Yves Butzbach e Robert Rocca, esperti che ci aiutano a comprendere l’interdisciplinarità creativa del “Picasso della fotografia”, come è stato definito dai critici.

Da oggi per gli appassionati c’è un nuovo indirizzo dell’arte. Ed è la galleria Thaddaeus Ropac, tra le più prestigiose con sedi in tutto il mondo, che ha aperto al pubblico a Milano, nella storica cornice del settecentesco Palazzo Belgioioso, progettato da Giuseppe Piermarini nel 1772, alla cui guida vi èla neodirettrice Elena Bonanno di Linguaglossa, esperta d’arte con una solida esperienza e incarichi di rilievo alle spalle. L’aurora viene è il titolo evocativo della mostra inaugurale (visitabile fino al 21 novembre, ingresso libero, dal martedì al sabato ore 11-19) che mette in dialogo per la prima volta due giganti del Novecento, Lucio Fontana e Georg Baselitz.

A settembre presso il Padiglione Italia di Expo 2025 Osaka sono stati annunciati i progetti di design ai quali è stato assegnato il riconoscimento del Compasso d’Oro, “il più storico e alto riconoscimento del design italiano”, promosso da ADI – Associazione per il Disegno Industriale in collaborazione con il Commissariato Generale per l’Italia a Expo 2025 Osaka.

Da segnare in agenda la mostra Giorgio Armani: Milano, per amore (potete saltare la coda prenotandovi online), allestita fino all’11 gennaio 2026 nella Pinacoteca di Brera, la galleria più preziosa di Milano, dove possiamo ammirare capolavori artistici che raccontano l’arte italiana dal Medioevo all’Ottocento, tra cui opere di Raffaello, Caravaggio e Tintoretto. La manifestazione è un omaggio a Giorgio Armani, recentemente scomparso, e al suo profondo legame con il capoluogo lombardo e il quartiere di Brera, dove ha scelto di vivere e lavorare nella famosa sede di Palazzo Orsini, in via Borgonuovo 11. Un rapporto profondo a cui ha dato riconoscimento l’Accademia di Brera, conferendogli il titolo accademico per “la coerenza della sua ricerca di stile, e il rigore con cui ha saputo unire la funzione alla fantasia dell’invenzione” nel 1993.

“L’arte non riproduce ciò che è visibile, ma rende visibile ciò che non sempre lo è”. È con questo pensiero di Paul Klee, figura chiave del Bauhaus, la scuola che ha fatto della forma e del pensiero un binomio inseparabile, contenuto nel Schöpferische Konfession (“Confessione di un creatore” o “Dichiarazione creativa”), che si inseriscono il dialogo profondo con la dimensione invisibile e il principio che anima tutto il lavoro di Fulvio Morella, artista che ha “saputo trasformare la tornitura del legno in linguaggio dell’arte contemporanea e il braille in strumento poetico e narrativo”.