Light Art

Abbiamo incontrato Alessandro Algardi, classe 1945, nato a Milano, artista polimorfico, interdisciplinare che ha frequentato la Scuola Superiore d’Arte spaziando dalla fotografia fino alla pittura e alla scultura. Non è alla ricerca di uno stile unico e si definisce artista per vocazione, attratto dalla sperimentazione di linguaggi differenti, in particolare dal neon che include nei suoi lavori dalla fine degli anni Novanta, come   segno di riflessione critica sui nostri tempi “bellicosi”, come nel caso di Icaro (1998), scultura di grande impatto ispirata alla mitologia greca che narra la storia di un giovane che sognava di volare e si costruì ali di piume e cera per fuggire dal labirinto di Creta dove era stato imprigionato con il padre Dedalo. La scultura è una struggente metafora contro l’arroganza, l’ambizione umana e la trasgressione dei limiti della natura, l’hybris per gli antichi greci, tema sempre contemporaneo, da Odisseo a oggi.

Fino al 30 settembre 2026, Homo Faber, la biennale internazionale dedicata all’arte dell’eccellenza artigiana, torna ad animare la Fondazione Giogio Cini nell’Isola di San Giorgio Maggiore a Venezia. Quest’anno l’evento, alla sua quarta edizione, vede la direzione artistica di Es Devlin, pluripremiata artista britannica celebre per le sue grandiose installazioni e sculture cinetiche che hanno arricchito musei, gallerie, teatri in tutto il mondo: celebre la sua Library of Light presentata nell’aprile 2025 a Milano nel Cortile d’Onore della Pinacoteca di Brera durante la Milano Design Week.

As Seen Below – The Dome (2026) è la nuova installazione di James Turrell (1943), artista quacchero statunitense, ideata per l’ARoS Aarhus Art Museum di Aarhus in Danimarca, inaugurata a giugno dopo oltre un decennio di progettazione. Questo è il centesimo Skyspace dell’artista della luce, il maestro della percezione e dello spazio che ha portato il cielo come campo cromatico in trasformazione in un museo non soltanto da guardare, ma da attraversare come un viatico alla ricerca delle radici della luce dall’alba al tramonto, mutevole come il cielo della Danimarca è che alterna accumuli di nuvole plumbee a schiarite improvvise. In questo museo non ci sono dipinti, sculture, fotografie o installazioni, ma solamente la luce come dimensione contemplativa e tavolozza cromatica in divenire: è l’opera d’arte.

Vi sono mattine in cui il cielo sembra affidare alle nuvole il compito di raccontare la luce. Lungi dall’essere un semplice ostacolo, esse ne modulano l’intensità, la scompongono, la restituiscono alla terra in una trama di chiaroscuri che muta di istante in istante. È una relazione fatta di reciproca necessità: la luce rivela la forma delle nubi, mentre le nubi conferiscono alla luce profondità, misura e significato.

In questa silenziosa alleanza si coglie una metafora della condizione umana. Così come la luminosità acquista valore nel confronto con l’ombra, anche la chiarezza del pensiero si affina attraversando le incertezze. Le nuvole, allora, non sono soltanto presenze effimere nel paesaggio, ma interpreti di una luce che, proprio grazie al loro passaggio, diviene più eloquente e memorabile.

“Un ambiente immersivo, dove lo spettatore è invitato a scoprire le potenzialità nascoste della luce e il suo divenire linguaggio ed espressione”. Ma soprattutto una grande retrospettiva che va oltre la semplice esposizione, restituendo il ritratto dell’artista attraverso una selezione di opere, storiche e recenti, che coprono un arco temporale dal 1965 al 2025.
Tutte questo è ANTONIO BARRESE: MORFOLOGIE DI LUCE, la mostra, a cura di Stefania Gaudiosi, che la Fondazione Marcello Morandini di Varese, istituzione nata nel 2016 grazie al contributo di due importanti collezionisti al fine di creare uno spazio espositivo aperto, accessibile e inclusivo in cui fossero valorizzate le opere di Marcello Morandini e un museo dedicato all’Arte Concreta e Costruttivista internazionale, dedica all’artista e designer milanese.

A volte è sufficiente un pensiero luminoso per mutare radicalmente il nostro modo di osservare la realtà. È da questa convinzione che Joseph Kosuth (classe 1945, nato a Toledo, in Ohio), tra i principali esponenti dell’Arte Concettuale americana (movimento che dagli anni Sessanta ha rivoluzionato il ruolo dell’opera d’arte, spostando l’attenzione dal fare al pensare) torna a intervenire nello spazio pubblico, affidando alla luce del neon il compito di trasformare la facciata del Museo del Novecento a Milano in un vero e proprio dispositivo critico, capace di interrogare il rapporto tra tempo, sguardo e città.
La nuova installazione site-specific dell’artista americano, intitolata Vedere le cose (per A.S.) ed entrata a far parte della collezione permanente del museo grazie all’acquisizione del Comune di Milano, è stata inaugurata il 1° luglio 2026 alla presenza dello stesso Kosuth. Si tratta di una scrittura di luce in neon bianco caldo che si distende per circa 28 metri lungo il lato su via Marconi.