Cesare Accetta: “Il nero può essere il colore più luminoso” (LUCE 350, dicembre 2024)

In verità, non ho mai festeggiato i compleanni, non ne avevo il tempo. A 70 anni, un po’ è inevitabile fare una riflessione su quello che si è fatto nella vita e la mia vita è stata fatta di incontri straordinari, umani e formativi, forse anche per la capacità di cercarmeli, in primis con la mia compagna Laura Angiulli (regista teatrale e sceneggiatrice, NdR), con Antonio Neiwiller, personaggio cardine della Scena teatrale partenopea, Mario Martone, Toni Servillo, Enzo Moscato, Pappi Corsicato, Mimmo Paladino  (l’elenco continua, NdR), ma al tempo stesso c’è ancora la voglia della ricerca, come del resto ho sempre fatto in tutta la mia vita.

Un documentario per la regia di Pippo Delbono sulla figura di Bobò, un piccolo uomo, sordomuto e analfabeta, una figura emblematica del suo teatro. Pippo lo aveva conosciuto quando aveva tenuto dei laboratori teatrali nel manicomio di Aversa dove Bobò era entrato a sedici anni. Ed è lì che nasce un sodalizio profondo e tenace. Gireremo a dicembre 2024 in teatro e in esterni, stiamo già facendo dei sopralluoghi per cercare la luce giusta.

Toni non ha bisogno di effetti particolari, si potrebbe illuminare con una lampadina! Avevamo deciso di non creare effetti particolari sulla sua lettura, quello che abbiamo fatto è stato progettare un disegno luci che esaltasse, pur sempre in modo molto discreto per rispettare la sacralità del luogo, l’architettura del Duomo, con la sua bellezza gotica e le sue maestose navate, i grandi archi a tutto sesto, che poggiano su pilastri compositi alternati a colonne. Un’atmosfera raccolta e al contempo sacra. Dal punto di vista tecnico, ho privilegiato corpi illuminanti a batteria per evitare l’intralcio dei cavi sulla scena sotto le due navate laterali, puntati verso l’alto, e poi una serie di corpi illuminanti LED nascosti dietro l’altare per illuminare i bassorilievi e la cripta sullo sfondo. Ho scelto una luce calda, a mattone, un bianco neutro invece per Toni Servillo.

È un momento drammaturgico. È anche uno spazio e non è vuoto. A teatro il buio può essere agito, giocato, raggirato. Va pensato così come va pensata la luce, E si offre a infinite scansioni tematiche ed estetiche. Dal buio che porta luce a quello che la annulla in un abisso senza fondo.

Sarà una risposta banale ma per me la luce è la visione, è lo strumento per creare delle immagini.

Tutto con la luce deve e può succedere. Quello che si vede e quello che si intravede, ma anche “quel che non si vede”, come diceva Antonio Neiwiller, ed è proprio ciò che non si vede a far sì che il fruitore possa sentirsi profondamente coinvolto. La luce è strumento inquieto, duttile, si concede con sottrazione o accrescimento, territorio dinamico per esplorazioni imprevedibili. Crea le distanze, le relazioni e il rapporto tra l’essere e l’essere visto, concetto fondamentale per il teatro. È anche un elemento della quotidianità che ha moltissimo a che fare con la scansione del tempo. A senza l’oscurità non può esservi luce. In fondo, il nero può essere il colore più luminoso.

Non lo conoscevo ma vi risuona il mio sentire. Un mio caro amico e critico tempo fa scrisse che la luce l’avevo “messa finalmente nel suo alveo primario del silenzio”.

Sono autodidatta. Come fotografo di scena ho iniziato guardando il lavoro degli altri. È stata Laura che mi ha spinto a provare in teatro, ho cominciato nel 1995 proprio con il suo L’uomo, la bestia e la virtù. Antonietta De Lillo mi ha incoraggiato nel cinema: il primo film a cui ho lavorato da direttore della fotografia è stato il suo I racconti di Vittoria.

Sono le coppie concettuali in contrapposizione di cui è intessuta la cultura occidentale che condizionano ancora il nostro modo di pensare e di costruire la realtà. La polarità metaforica della luce e del buio. Quello che invece mi affascina e che credo valga davvero la pena di ricercare è di dare sostanza al buio ponendolo allo stesso livello della luce senza con questo volerlo separare da essa. Hanno la stessa ambivalenza. Il buio preso a sé è qualcosa che ci sfugge, è l’estraneità che resta sempre tale. Come la luce più intensa, peraltro, non si può fissare senza accecarsi, cioè senza sprofondare nel buio. Portare un po’ di luce non elimina il buio. Però, facendolo, creiamo ombre, sfumiamo i suoi orli.

L’unica richiesta che facevo ai soggetti era di sostenere lo sguardo in macchina, affinché l’osservatore si sentisse a sua volta scrutato. Come dice il filosofo Jacques Derrida, davanti a un quadro non si guarda, ma si è guardati. L’estraneità più assoluta di un volto è ciò che si manifesta nella sua massima evidenza restando incomprensibile. È l’incomprensibile di tutto ciò che ci circonda dandosi a vedere nella luce più abbagliante, e lasciandoci al contempo al buio più completo.

Sì, è un tema importante questo, perché spesso ci ritroviamo a dover realizzare lavori che presentano delle difficoltà, ma si riesce sempre a sormontarle se si coltiva la concretezza dietro a un pensiero, perché l’idea va tradotta, adattata, pensata. Sono molto pragmatico, al di là di quella che può essere una espressione poetica, mi confronto sempre con i mezzi che ho a disposizione, le risorse economiche, il tempo.

In verità, fino all’ultimo continuo a fare cambiamenti. La luce che il giorno prima mi sembrava giusta, il giorno dopo vorrei cambiarla. Anche dopo la messa in scena, c’è sempre qualcosa che avrei potuto fare meglio, anche soltanto modificare una frazione infinitesima dell’intensità della temperatura della luce.