Quando la luce è una scelta. Le trame luminose di tre giovani artiste: Avvassena, Manfredi e Scuderoni.

Tre artiste, tre percorsi, tre poetiche. Eppure, un unico filo luminoso sembra attraversarne le opere: la volontà di usare la luce come atto di responsabilità, gesto che ascolta, scintilla che riscrive la realtà. Non luce come effetto decorativo o artificio tecnico, ma luce come linguaggio affettivo, come strumento di relazione tra il visibile e l’invisibile, tra l’umano e il mondo. Se Giulia Manfredi lavora con l’invisibile cristallizzando il tempo in forme sospese, fragili e contemplative, Avvassena lo riattiva: dà energia a oggetti dimenticati, risveglia gesti, illumina relazioni. Maddalena Scuderoni, invece, sposta l’oggetto urbano nel paesaggio e lo lascia lì: un lampione che ascolta, che non serve, ma significa. In tutti i casi, la luce non è mai neutra: è narrazione, cura, pratica di resistenza.

Una forma di racconto che ci invita a rivedere il nostro stare al mondo, il nostro rapporto con lo spazio, con il tempo, con gli altri. In un’epoca dominata dalla velocità, dalla saturazione dell’immagine e dalla cultura del consumo immediato, queste artiste ci offrono un’alternativa radicale: fare spazio, abitare il vuoto, rallentare il tempo dello sguardo. La loro luce non urla, non abbaglia, non invade: accoglie. È un gesto gentile che segna il tempo, rigenera la materia, riattiva la memoria. Non ci chiede di capire, ma di sentire. Di restare immersi in un’energia silenziosa che tiene insieme le fratture, ecologiche, sociali, emotive.

Il modo in cui queste artiste impiegano la luce ci ricorda che l’arte può ancora illuminare ciò che non si vede, dare forma a ciò che è stato dimenticato, rimettere in circolo senso, cura, presenza. Come ha scritto Gaston Bachelard, “La luce è un sogno dell’anima, una fiamma che pensa”. Ed è forse proprio in questo sogno che si collocano i loro gesti minimi e radicali: il bagliore di un bonsai sospeso, un lampione che ascolta, un oggetto ritrovato che si accende. In queste presenze leggere si manifesta una cura possibile: non per cancellare le ferite, ma per ricucirle con attenzione, con delicatezza, con desiderio di futuro. Una trama luminosa che non impone, ma accompagna. Che non divide, ma intreccia. Che ci invita, ancora una volta, a scegliere la luce – anche quando sembra minuscola – come forma di resistenza, di bellezza, di fiducia.

Il lampione, figura normalizzata dell’arredo urbano, viene decontestualizzato e accolto dal paesaggio come presenza altra, sospesa tra naturale e artificiale, tra tempo umano e tempo geologico. La sua è una filosofia dello spostamento e della sospensione: spostare un oggetto dal suo ambiente d’origine per collocarlo in un luogo che lo costringa a ri-significarsi. Il paesaggio non è solo sfondo, ma parte attiva dell’opera. In questo senso, Lampione in posa non è un’installazione da osservare, ma una condizione da abitare mentalmente, dove il tempo della luce diventa tempo di pensiero.

Un esempio emblematico è, appunto, l’opera Lampione in posa, realizzata nel 2024 per il progetto TerraCielo – Museo a cielo aperto in Molise. Un lampione – oggetto urbano per eccellenza, progettato per rendersi invisibile nella sua funzione – viene trasferito nel paesaggio naturale e lasciato lì, isolato, fermo, quasi in ascolto. La sua presenza è discreta ma straniante: di giorno si mimetizza tra gli ulivi, i muretti a secco, la pietra, quasi a voler chiedere il permesso di stare. Di notte, si accende, ma per illuminare nient’altro che sé stesso. La luce non guida, non protegge, non segna un passaggio: è inutilizzata, gratuita, contemplativa.

L’opera si innesta in una condizione di dislocazione e silenzio, che forza l’osservatore a ripensare la familiarità dell’oggetto. Il lampione non è più “servizio”, ma figura totemica, memoria culturale e immagine rallentata dell’umanità nel paesaggio. Scollegato dalla rete elettrica urbana e dalla sua logica funzionale, viene riconvertito in segno autonomo, forma che esiste solo per essere vista, riconosciuta e pensata. È come se, allontanato dalla città, il lampione prendesse la parola per la prima volta. In questa nuova condizione, la luce non “illumina” in senso pratico, ma interroga il tempo. Mette in discussione la nostra percezione di ciò che è utile, di ciò che è presente solo se serve. Lampione in posa è dunque un gesto delicato ma radicale, che trasforma una struttura tecnica in un corpo poetico, e con esso una porzione di territorio in un luogo d’ascolto.

Nata nel 1984 a Castelfranco Emilia (MO) e formatasi in pittura all’Accademia di Bologna, Giulia Manfredi ha sviluppato un suo linguaggio personale tra Berlino e Roma, muovendosi progressivamente dalla bidimensionalità alla scultura-installazione. Questo passaggio non è stato solo formale, ma ha segnato una trasformazione percettiva, in cui la luce è diventata protagonista invisibile del pensiero plastico.  Materiali come resina, vetro e marmo si intrecciano con elementi organici – radici, rami, funghi – in un equilibrio fragile, sospeso tra natura e artificio. In serie come Undertoe e Mandragola, questi frammenti vengono immersi in blocchi retroilluminati, non solo per conservarli, ma per ricollocarli in una dimensione di sospensione assoluta, dove la luce non è sfondo, ma dispositivo di rivelazione e di trasformazione. In queste opere, la luce non ha una funzione descrittiva, ma trascende la materia stessa: penetra il corpo opaco delle cose, svela il tempo al suo interno, lo espone. È una luce che scava e rallenta, che non mostra, ma trasforma, rendendo visibile l’instabilità intrinseca del vivente.

Un esempio emblematico di questa poetica in costante evoluzione, pur nell’evidente coerenza dei temi, è la mostra personale Regno Sottile, ospitata nel 2019 al Museo Francesco Messina di Milano. Al centro dell’installazione, bonsai vivi crescevano dentro il marmo, scolpito e disegnato dall’artista: un corpo minerale che, anziché contenere, si sgretolava lentamente sotto l’azione delle radici, lasciando che la vita modificasse la forma dell’opera. Questo processo di trasformazione era reso possibile da un sistema di irrigazione e luci rosa, non semplicemente funzionale, ma essenziale alla scrittura dell’opera stessa. La luce, ancora una volta, non si limitava a “illuminare”: diventava segno di vita, ma anche presagio di consunzione. Un fuoco lento, che nutre e insieme consuma, che marca il passaggio del tempo, tanto quanto lo protegge.