Nel segno della luce oltre i confini tra reale e immaginario. Dieci anni di creatività a Parma

Il Festival della creatività contemporanea 2026 (PARMA 360) celebra il decimo anno di impresa culturale di valorizzazione di Parma con eventi, incontri e arte nomade, nel segno della luce che attua processi di scambio tra persone e luoghi, storia e memoria, simbolo universale di speranza e di vita, con opere diffuse ospitate in luoghi ancora sconosciuti dell’austera città, come sottolineato dal titolo stesso di questa edizione, LUX. Visioni sulla luce. In questa intervista esclusiva le curatrici Chiara Canali e Camilla Mineo ci parlano degli obiettivi e della metodologia di questo evento e delle sue differenze rispetto ad altre manifestazioni a loro volta orientate al dialogo tra passato e presente, conoscenza del territorio e intrattenimento attraverso l’arte contemporanea.

C.C.: Il modello del Museo Diffuso della Fondazione Nicola Trussardi a Milano è stato sicuramente un riferimento importante, ma non un modello da replicare in modo diretto. Piuttosto, ha rappresentato una conferma: quella che l’arte contemporanea può uscire dagli spazi istituzionali, dai musei, dalle gallerie, per attivare una relazione più dinamica e inaspettata con la città e con i suoi spazi pubblici.

A Parma abbiamo lavorato in questa direzione già dal 2016, costruendo un’identità specifica che intreccia valorizzazione del patrimonio e sperimentazione contemporanea. Il nostro “museo diffuso” non è solo una strategia espositiva, ma una pratica culturale e di marketing territoriale che riattiva luoghi spesso dimenticati, restituendoli alla cittadinanza attraverso l’arte. In questo senso, il Festival diventa una piattaforma che produce nuove geografie culturali e di senso.

C.M.: Il festival nasce dall’esigenza di creare a Parma uno spazio dedicato all’arte e alla creatività contemporanea capace di mettere in relazione linguaggi diversi e pubblici differenti. Fin dall’inizio l’idea non era quella di costruire una semplice rassegna, ma un progetto diffuso in grado di attivare la città, mettendo in dialogo arte, architettura e tessuto urbano.

I valori che condividiamo sono legati alla ricerca, alla contaminazione tra discipline e alla capacità dell’arte di generare nuove letture dello spazio e della realtà. Crediamo in un approccio inclusivo, che tenga insieme artisti affermati ed emergenti, e in una visione dell’arte come esperienza accessibile.

L’obiettivo è duplice: da un lato offrire una piattaforma di qualità per la produzione e la diffusione dell’arte contemporanea, dall’altro costruire nel tempo un rapporto attivo con il territorio, coinvolgendo istituzioni, partner e comunità. In questo senso, PARMA 360 non è solo un evento, ma un processo che cresce insieme alla città.

C.C.: L’arte nomade è per noi una pratica di attivazione dello spazio urbano. Ogni edizione lavora su una mappatura inedita della città, portando il pubblico in luoghi non sempre accessibili o poco conosciuti e utilizzati.

Quest’anno abbiamo ampliato ulteriormente questo raggio d’azione, reinterpretando uno spazio come il Torrione Visconteo per attivare un percorso ascensionale, che si sviluppa sui quattro livelli della torre (con la mostra Del Sublime del DUO ES), e rafforzando il ruolo di luoghi ibridi come la Casa del Suono, al cui interno è conservata una preziosa raccolta di fonori-produttori, dove la dimensione tecnologica e interattiva dell’arte in dialogo con l’Intelligenza Artificiale trova una naturale collocazione.

La scelta degli spazi non è mai neutra: lavoriamo su luoghi che possano dialogare con i linguaggi contemporanei, generando una tensione tra memoria e futuro.

C.M.: La selezione parte sempre dalla qualità della ricerca, più che dal linguaggio. Non cerchiamo di rappresentare tecniche diverse in modo schematico, ma artisti che abbiano uno sguardo riconoscibile e una ricerca capace di aprire domande. Ci interessa chi utilizza il proprio linguaggio, che sia fotografia, video, arte digitale o installazione, in modo consapevole, non decorativo.

Allo stesso tempo, costruiamo il programma mettendo in relazione punti di vista differenti, cercando un equilibrio tra approcci, generazioni e modalità espressive. La varietà dei linguaggi è una conseguenza di questo processo, non un obiettivo formale: nasce dal confronto tra ricerche che, pur diverse, condividono intensità e capacità di attivare una riflessione.

C.C.: La mostra di Antonio Barrese alla Galleria San Ludovico è un progetto che mette in dialogo ricerca storica e attualità. Barrese, a partire dall’esperienza del Gruppo MID (Mutamento Immagine Dimensione), ha sviluppato una riflessione pionieristica sulla luce come fenomeno strutturale e percettivo. In mostra presentiamo opere storiche, come Disco_Strobo_200, oggetto stroboscopico, cinetico, interattivo realizzato dal Gruppo MID e da Antonio Barrese nel 1965 e in seguito variamente replicato, esposto per la prima volta, sempre nel 1965, alla mostra Nuova Tendenza 3 a Zagabria e, in seguito, in numerosi musei, tra cui: Museo del 900 Milano, ZKM Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe, MART, Museo Arte Rovereto e Trento, Fondazione VAF, Frankfurt.

Tra le opere storiche, anche le Immagini Sintetiche, realizzate tra il 1964 e il 1972, che nascono dal desiderio di superare la fotografia tradizionale come semplice strumento di riproduzione del reale. Le Immagini Sintetiche sono ottenute mediante operazioni controllate di luce, movimento e le variabili operative tipiche di ciascun mezzo di ripresa (fotocamera, telecamera, cinepresa), utilizzando un processo di accostamento di fotogrammi, come in un “cartone animato”.

C.M.: In Quadrifluox. E l’inchiostro divenne luce abbiamo presentato un percorso che restituisce l’evoluzione della ricerca di Piergiuseppe Molinar attraverso una selezione di opere realizzate con inchiostri fluorescenti dal graphic novel alle illustrazioni, alla fotografia. La luce di Wood non è un semplice effetto scenico, ma uno strumento che attiva l’immagine: sotto questa luce le opere cambiano stato, si accendono, rivelano livelli nascosti e modificano la percezione.

Il progetto di Molinar mette in discussione il rapporto tradizionale tra stampa e visione, trasformando la superficie in un campo dinamico, in cui l’immagine non è mai fissa ma in continua trasformazione. In questo senso, la fluorescenza diventa parte integrante del linguaggio.

L’obiettivo era proprio questo: portare il pubblico a fare esperienza diretta di un processo percettivo, più che osservare semplicemente delle opere. Direi che il risultato è stato raggiunto nella misura in cui lo spettatore si trova a interagire con la luce e a riconsiderare il proprio modo di vedere.

C.M.: La mostra di Michael Kenna, a cura di Sandro Parmiggiani e Corsiero editore, è perfettamente coerente con il tema del Festival, perché affronta la luce in una dimensione diversa, ma complementare rispetto alle installazioni e alle opere più immersive. Se in altri progetti la luce è materia fisica e dispositivo attivo, nel lavoro di Kenna diventa tempo, scrittura e percezione.

Le sue fotografie non sono semplici paesaggi: sono il risultato di un processo lento fatto di attesa e osservazione, in cui la luce costruisce l’immagine. Attraverso lunghe esposizioni, nebbie, riflessi e atmosfere rarefatte, il paesaggio del Po si trasforma in qualcosa di essenziale e sospeso, quasi mentale.

In questo senso, Scritture di luce è un titolo molto preciso: la luce non illumina semplicemente, ma scrive, costruisce forma e senso. La mostra introduce una dimensione più contemplativa all’interno del Festival, invitando a rallentare e a osservare.

Ha toccato un problema concreto, che esiste ed è strutturale. Non riguarda solo il Festival, ma l’intero sistema dell’arte e, in particolare, i settori legati alla tecnologia e ai nuovi media, dove il divario è ancora più evidente.

Come curatrice, attiva da anni sul campo, lavoro per costruire una rappresentanza più equilibrata, ma è necessario intervenire a monte: sull’accesso, sulla formazione, sulle opportunità di produzione e sui network professionali.

Credo che il compito di un festival oggi non sia solo di esporre opere, ma anche creare condizioni. Questo significa attivare call, programmi e collaborazioni che possano sostenere concretamente la presenza e la visibilità delle artiste, non come quota rosa, ma come riconoscimento reale di una qualità già esistente.

A tal fine, proprio a maggio, lanceremo una Call for Artists under35, AI Horizons. Art Beyond Algorithms per Parma European Youth Capital 2027, dove ci auguriamo possa partecipare una nuova generazione di artiste donne.

C.M.: Non lo spieghiamo in modo didascalico, ma come un’esperienza da vivere. Questo Festival lavora sulla luce non come qualcosa da guardare, ma da attraversare: molte opere sono immersive, interattive, e mettono in gioco percezione, spazio e corpo. È un tipo di esperienza molto vicina alla sensibilità della Gen Z, abituata a linguaggi visivi, digitali e ibridi.

Allo stesso tempo, il Festival offre una grande varietà di linguaggi, dall’arte digitale alla fotografia, dall’installazione all’illustrazione, che permette a ciascuno di trovare un proprio punto di accesso. Non serve avere competenze specifiche: si entra, si esplora e si costruisce il proprio percorso.

Perché vederlo? Perché non è un festival da osservare passivamente, ma uno spazio in cui puoi muoverti, interagire e mettere in discussione il tuo modo di guardare le immagini.