La danza, la luce silenziosa e le ombre di Cindy Van Acker

Ispirazione che Van Acher ritrova anche nella poetica della scomparsa della scrittura di Paul Auster. “Qualcosa accade e, dal momento in cui inizia ad accadere, nulla può più essere lo stesso. Qualcosa accade, altrimenti qualcosa non accade. Un corpo si muove, altrimenti non si muove. E se si muove, qualcosa comincia ad accadere. E anche se non si muove, qualcosa comincia ad accadere”. Per lo scrittore e poeta newyorkese (scomparso nel 2024) il linguaggio “ci dà il mondo e ce lo sottrae”. La parola, in particolare quella poetica, sempre al limite “tra il silenzio e la significazione che preserva la dimensione segreta di ciò che nomina”. A colpire particolarmente la Acher sono stati i suoi Spazi bianchi. “Hanno lo stesso sapore di quello che cercavo di fare emergere”. I grandi spazi architetturali, vuoti come pagine bianche, in cui inscrivere i movimenti dei suoi (pochi) corpi danzanti, in dialogo con la luce, il suono. C’è anche in questa composizione coreografica la sensazione di una impalpabile evanescenza. Un gioco di sottrazione del corpo. Presenza e assenza. Appare il movimento di un corpo e, anche se non accade nulla, qualcosa accade comunque, forse proprio il nulla. Anche la luce sottolinea l’”incompiuto” della performance. Nella prima parte dello spettacolo, Victor Roy immerge la scena nel buio. La luce passa o non passa in una zona o in un’altra dello spazio scenico. Inafferrabile e sfuggente, è capace di comporre traiettorie improvvise. Stéphanie Bayle e Daniela Zaghini, quasi presenze fantasmatiche in tute trasparenti in una ipnotica densità di blu, avanzano come riflettendosi in uno specchio con gli stessi movimenti leggeri, precisi e simmetrici, ripetitivi e minimali, a distanza l’una dall’altra. Allungando braccia e gambe, quasi volessero aggrapparsi a un impossibile da afferrare. Creando misteriose sagome che ricordano i ragni giganti di Louise Bourgeois. La somiglianza dei corpi crea un effetto di doppia visione ma al tempo stesso rimanda agli inquietanti e introspettivi autoritratti di Spilliaret, spesso davanti a uno specchio, creando una dualità visiva che rispecchia il tumulto interiore, della sua anima e della sua psiche. Immagini spettrali, fino a divenire una presenza sempre più opaca e aliena (in Silhouette, Spilliaert diventa solo un’ombra nera simile a uno scheletro contro lo sfondo chiaro della finestra). Le figure di Stéphanie Bayle e Daniela Zaghini si moltiplicano, fra corpo reale e le loro ombre proiettate su una parete sul fondo, continuamente alterate, ingigantite dalle ombre. Come a voler mettere in discussione il modo in cui siamo abituati a orientare il nostro sguardo nella percezione dello spazio. Annullare l’unicità del punto di vista prospettico e, al contempo, frammentare le traiettorie del nostro sguardo.

Nella seconda parte dello spettacolo, una lama di luce (una sorta di totem monolitico, un faro marittimo, che in inglese si dice “Lighthouse”) cade a dividere la scena, addolcita da una morbida luce azzurra, anche la musica, prima dai timbri elettronici stridenti, pare acquietarsi nel risveglio di evocazioni marine, vaporose, il canto di uccelli. Lo spazio si restringe, diventa più intimo. Solo adesso i corpi delle danzatrici si avvicinano, si toccano, si abbracciano. Stabiliscono un contatto. A chiudere lo spettacolo, una nuvola di fumo sottile e poi sempre più persistente oscura il palco e, creando suggestivi effetti “atmosferici”, si allunga spargendosi in sala, ad avvolgerci in una nebbia. Le silhouette diventano lentamente inconsistenti. Scompaiono nella nebbia come le figure di Spilliaert. Un finale che è insieme apocalittico e onirico. Quando il nulla invade tutto, gli applausi calorosi e prolungati del pubblico hanno salutato le due interpreti.