Pier Paolo Pasolini: poesia di luce in scena

“La poesia è qualcosa di oscuro, che fa luminosa la vita”. Le parole di Pier Paolo Pasolini (tratte da La Guinea, pubblicata nella raccolta Poesia in forma di rosa) diventano materia sonora e visiva, intrecciandosi al corpo del performer Nicola Pianzola e alle architetture bramantesche del chiostro, scolpite dalla luce dei LED che ne trasfigura forme e prospettive in uno spazio che pare senza confini, fuori dal tempo. Il volto di Pasolini, sagomato come uno schizzo a matita, affiora dal buio fra le colonne illuminate, sospeso tra memoria e visione. La parola si fa presenza, eco, epifania luminosa.

È stata una serata davvero speciale quella dedicata al più grande intellettuale del dopoguerra, scrittore, poeta, drammaturgo e regista, e alla sua poesia, che ha chiuso l’estate del Teatro Fontana di Milano, con sede proprio accanto ai Chiostri Bramanteschi del complesso di Santa Maria alla Fontana, un autentico gioiello architettonico cinquecentesco, con affreschi attribuiti alla bottega di Bernardino Luini e addirittura alla mano di Leonardo da Vinci.

L’evento si è svolto nell’ambito di Chiostri Suite, la rassegna che porta il teatro contemporaneo in questo suggestivo palcoscenico open air, in un dialogo tra performance, ricerca e nuovi linguaggi della scena. Lo spettacolo Luce, della compagnia Instabili Vaganti, con la regia, il video mapping e il disegno luci di Anna Dora Dorno e la performance di Nicola Pianzola, ha intrecciato la poesia di Pasolini con la musica classica di Bach e Couperin, eseguita dal vivo, e con un minuzioso lavoro di videoproiezioni e mapping site-specific.

All’inizio dello spettacolo, brilla già alta nel cielo, quasi allo zenith, la luminosa Vega. Nel cortile del chiostro, circondato dal porticato a colonne, il pubblico è disposto a semicerchio attorno allo spazio scenico.

La luce dei LED dipinge il chiostro di tonalità calde e fredde, dal bianco al blu, fino alle sfumature rosse e dorate, creando un’atmosfera mutevole e intensa, che trasformano lo spazio scenico sospeso tra evocazione e astrazione.

Continuiamo il discorso con i fondatori di Instabili Vaganti. Anna Dora Dorno, regista, lighting e set designer, nata a Taranto nel 1976; Nicola Pianzola, attore, performer e pedagogo teatrale, nato a Novara nel 1977.

Nel suo cinema in bianco e nero, Pasolini crea uno stile visivo inconfondibile, che rifiuta tanto la patina hollywoodiana quanto i grigi sfumati di quel cinema che il regista associava al “grigiore” dell’omologazione borghese. Insieme al direttore della fotografia Tonino Delli Colli, costruisce un bianco e nero fatto di contrasti netti e violenti. Pasolini amava girare nelle ore centrali della giornata, sotto un sole zenitale, accecante e spietato. La luce delle borgate romane appare così bruciata: il bianco diventa abbagliante, mentre le ombre sprofondano in neri profondi e assoluti e i corpi acquistano una presenza quasi arcaica.

Il volto diventa allora un’icona. Il ladruncolo di borgata di Accattone o la prostituta di Mamma Roma non vengono mostrati attraverso lo sguardo pietistico del documentarismo, ma investiti da una luce capace di conferire loro la stessa dignità ieratica dei santi nella pittura di Giotto e Masaccio.

È quella che Pasolini stesso definiva una “luce plebea”: una luce quotidiana e, allo stesso tempo, drammatica. I suoi personaggi, spesso interpretati da attori non professionisti incontrati per strada, vengono filmati in pieno sole o in un forte controluce che mette in evidenza le imperfezioni, i pori della pelle, le rughe e la durezza dei lineamenti.

Si tratta di una scelta profondamente politica e poetica. Per Pasolini, infatti, la luce diventa uno strumento di consacrazione: restituisce al mondo quella dimensione di sacralità che la modernità e la società dei consumi stanno progressivamente distruggendo. Il sacro non scende dall’alto e non appartiene più soltanto alle chiese o ai dogmi; è piuttosto una forza arcaica, misteriosa e quasi biologica, legata alla natura e alla fisicità dei corpi. È ancora presente nelle cose e negli esseri umani e può manifestarsi nei volti degli ultimi, nei corpi dei ragazzi delle borgate romane, nella pelle di un contadino, nella polvere di una strada e nelle pietre.

Ne Il Vangelo secondo Matteo, la luce del sole sui sassi di Matera è talmente intensa da risultare quasi insostenibile. In Edipo Re e Medea, invece, la luce sacra assume le forme dei deserti, della terra battuta e dei cieli tersi. È una luce calda, dorata e ancestrale, che rimanda a un’umanità preindustriale e prerazionale, nella quale l’uomo viveva ancora in una sorta di simbiosi con la natura e con il divino.

In Teorema, la luce cambia radicalmente: diventa più fredda, asettica e diffusa. Riflette visivamente il mondo borghese, nel quale la razionalità e l’ordine della società industriale sembrano aver spento ogni traccia di sacralità e di mistero, lasciando emergere un profondo vuoto esistenziale. Allo stesso tempo, nelle scene con il misterioso ospite interpretato da Terence Stamp, la sua presenza è spesso associata a una luminosità solare, intensa e quasi abbacinante, che entra in contrasto con l’artificiosità della villa borghese. È un’energia luminosa che irrompe dall’esterno e incrina l’ordine apparentemente stabile della famiglia.

Nell’ultimo, tragico film di Pasolini, Salò o le 120 giornate di Sodoma, la luce diventa infine espressione di quella che il regista definisce la “morte della storia”. È una luce fredda, geometrica e spietata: all’interno della villa, luogo in cui si consumano le torture, appare livida e spettrale, privata ormai di qualsiasi possibilità di riscatto o di trascendenza metaforica. Se nei film precedenti la luce poteva ancora rivelare una presenza del sacro nel mondo, in questo film essa sembra invece testimoniare la sua definitiva scomparsa.