Luce e danza: un movimento continuo

Poesia del corpo. Lo sottolineo perché la danza, ormai da decenni, ha avuto una serie di infiltrazioni, dalle videoinstallazioni e dall’elettronica fino agli effetti speciali. Il ritorno al solo corpo è stato per me un’esigenza e una sfida che ho perseguito in tutte i miei lavori. Ovviamente il corpo diventa anche anima.

È un valore umano. La bellezza fa parte dell’umanità. E non si trova per forza nelle cose belle solo all’apparenza estetica. “Glorificare l’immagine ancor prima del significato”, è una frase di Baudelaire che ho fatto mia da trent’anni. Io miro ad andare molto di più al cuore del pubblico che al cervello, mi piace anche emozionare e non solo far capire e pensare. Questo è ciò che sento. Per questo forse ci piace un’opera d’arte (pittorica, scultorea, musicale, motoria…): porta alla luce un pensiero, non rendendolo necessariamente un pensiero razionalmente cosciente, ma facendo di quel pensiero qualcosa di emotivamente vivo, qualcosa che ci permette di pensare. Già Picasso diceva: tutti vogliono capire la pittura. Perché non cercano di capire il canto degli uccelli? L’arte non si deve capire, non è destinata a spiegare. A spiegare cosa? mi chiedo.

Ho scritto di questo argomento anche in un libro, sottolineando che noi stiamo lavorando per un nuovo “umanesimo del corpo”. Specie in un’epoca come la nostra, in cui tutto è virtuale, significa ritrovare la naturalezza del mettere a disposizione” il corpo della propria anima” e viceversa riscoprire anche la voglia di condividere il proprio corpo con gli altri, nell’accezione più nobile. D’altronde sta proprio qui il punto di forza della danza, nel non servirsi delle parole, ma del corpo: dovunque io porti uno spettacolo a Rovereto o a Tel Aviv, in Tunisia o a Xi’an in Cina, il linguaggio del corpo resta universale e può essere trasmesso a tutti. Anche se non tutti lo comprendono allo stesso modo.

L’arte mette a nudo l’umanità. Con la danza, sento di dover mettere a nudo l’umanità attraverso il corpo. È un lavoro di svestimento, occorre spogliarsi per liberarsi da tutto ciò che ci ancora al giudizio verso noi stessi e gli altri, per ricercare invece l’autenticità, una sincerità del corpo, una verità di fondo e mettere fuori qualcosa che sta nel profondo. Immaginate quindi quanto alcuni possano restare sconvolti di fronte a un nudo sulla scena. Il linguaggio che abbiamo curato negli ultimi vent’anni si chiama MoDem, movimento democratico, che ha dei suoi codici specifici. Non si tratta di un esercizio ginnico, ma di un momento di profonda ricerca su di sé, in cui, ponendosi in ascolto del proprio corpo, si impara a sentirlo, ad amarlo, a odiarlo. Il lavoro che noi facciamo è imperniato sulla conoscenza delle giunture, delle parti del corpo ed è un processo molto difficile da spiegare sinteticamente a parole; risulta molto più facile vederlo!

La sfida e la scommessa di questa trilogia sono state trovare un nuovo immaginario visivo e coreografico , tenendo conto del passato, per portare in scena la contemporaneità, le derive della società di oggi: l’inquietudine del presente, la maschera sociale, le pulsioni represse, la solitudine, l’erotismo, la violenza, lo sballo mortifero. Il primo spunto concettuale della creazione è ispirato a un tragico fatto di cronaca accaduto durante una festa in una villa nella campagna romana agli inizi del 2021 sul quale si innesta un’evocazione dell’iconica sequenza della festa in Eyes wide shut di Kubrick per il Boléro di Ravel. L’Après-midi parla soprattutto della solitudine, del sentirsi estranei, del non potere o volere partecipare a una socialità forzata, quasi obbligata, che ha una via di fuga in un erotismo sognato e vagheggiato, in parte onanistico. Nel Sacre di Stravinsky è il caos esistenziale in cui siamo immersi e immolati a prorompere, senza un minimo di ribellione. Schegge che si urtano, si cercano, si sfuggono, senza davvero incontrarsi.

Come regista, ho rispettato la musica non stravolgendo nulla dei tre capolavori ma, volendo creare un trait-d’union fra i tre quadri era necessario legare il tutto con qualcosa che facesse entrare il pubblico in un’atmosfera un po’ speciale che evocasse le atmosfere da discoteca, tappeto sonoro dello sballo di oggi.

Lo faccio sempre. Lo spettacolo, per me, deve avere un’unica coerenza. Quando penso ai costumi, io so già cosa farò con i corpi, come si vedranno alcuni movimenti, quindi, si tratta di un pensiero di costruzione dello spettacolo molto più ampio. Le collaborazioni degli ultimi anni sono di natura tecnica come con Veronica Cornacchini per i costumi. Lo stesso vale per la luce. Io penso alle luci, ma mi avvalgo di un direttore tecnico che se ne occupa, il bravo Sammy Torrisi.

La penso diversamente. L’illuminazione del palco a LED ha migliorato la bellezza e l’impatto degli spettacoli di danza. Consumano meno, con conseguente risparmio energetico.

Non lo so (ride). Credo che tutto parta dall’idea di voler esprimere e comunicare qualcosa tramite la danza. E poi mi annoio facilmente e mi piace mettermi in gioco. Non sono però un coreografo bulimico che si lancia in ogni progetto pur di fare. Posso passare mesi o addirittura anni a perfezionare un progetto coreografico. Ma in realtà forse non esiste un momento in cui questo realmente finisce.

Le scarpine, così scomode. Ricordo la prima volta che le ho calzate, sentivo il piede rattrappito. Forse perché a quei tempi giocavo anche a calcio e le scarpe avevano delle tomaie leggere, con pianta abbastanza larga.