Davide Livermore: “Sono un militante dell’arte e della bellezza” (LUCE 347, marzo 2024)

LUCE incontra Davide Livermore, cantante lirico, scenografo, sceneggiatore, regista di prosa e di opere liriche, che racconta la sua poetica, il suo amore per l’arte e la contaminazione storica tra antico e contemporaneo come elemento della sua libertà creativa.

Io per bello intendo la ricerca dell’anima mundi, non è un fatto estetico né intellettuale. È riconoscere la parte più elevata, sacra, che sta in tutte le cose, ma invade anche la nostra anima. Con la bellezza siamo di fronte a uno slancio continuamente ripetuto, che ogni volta ci porta sulla soglia dell’inedito e al possibile che abbiamo davanti: una ulteriorità di senso. È una porta che si apre, ci vado a sbatter contro e dico “toh guarda!”. Senza spirito non c’è bellezza. Educare alla bellezza vuol dire educare l’uomo alla sorpresa, alla meraviglia, è educare all’umanità. Voglio usare il teatro per creare ponti, far crescere una comunità, nella bellezza. Dobbiamo portare anche le brutture, in teatro, certo! Forse qualcuno vorrebbe riscrivere Carmen per non farla morire alla fine del primo atto perché mostriamo un femminicidio? Come non deve morire?! Dobbiamo vedere gli orrori proprio perché dobbiamo educare all’affettività. E questo lo può fare il teatro.

Sarebbe un fallimento totale. Voglio essere sempre urticante per qualcuno, per quella parte di pubblico che viene a teatro pensando di essere in una Jacuzzi con le bolle. Non è così. Il teatro è uno specchio implacabile della società, deve continuare a essere critico come strumento di denuncia civile e sociale e pungolo al cambiamento. È antagonista e non succube del potere costituito, non andiamo a teatro per vedere una ricostruzione storica, ma per essere toccati nel vivo del nostro presente. Aver trasformato l’opera lirica in un “vado a mangiare la pizza o vado all’opera” rappresenta un vergognoso livellamento verso il basso. Se il teatro si accontenta di fare precotti, fa entertainment nel senso deteriore del termine, e questo non è il compito del teatro pubblico, che deve invece prendere l’anima dello spettatore. Bisogna far sognare il pubblico, farlo riflettere, disperare, provocarlo. A cosa serve il teatro, del resto, se non rappresenta la nostra società, se non sa mettere in scena l’uomo, se non morde e scuote le coscienze? Credo si debba tirare fuori il coraggio, la voglia di osare e sperimentare. Meglio un po’ di follia e innovazione tecnologica del dress code. Meglio il dio Apollo, in smoking e papillon, Egisto che giunge alla reggia a bordo di un’iconica Lancia Aprilia, le Erinni che si i materializzano sulla scena ricoperte di lustrini.

Studio e gioco. Da regista voglio raccontare una storia, e per farlo sono tenuto a conoscere chi l’ha immaginata, per chi l’ha scritta, in che società. Devo capire quali erano le intenzioni dell’autore e cosa ci può raccontare oggi quel testo. Mi chiedo: questa cosa come si racconta? E tradurre tutto nella contemporaneità. E poi subentra allora il gioco. E vuole dire abbracciare quel bambino con gli occhi verdi, la zazzera castana rossiccia, le ginocchia ossute che guardava le giubbe rosse dei cavalli nelle scuderie del nonno.

Una cosa che mi dà nutrimento è stare completamente fuori dalla zona di comfort. Le cose accadono se tu sei capace di essere vuoto e, allora, arriva un’immagine, un suono, un gesto. Le cose arrivano se sei capace di essere una spugna; devi farti attraversare. Assorbo da tutto e da tutti. Per cui in certi momenti trovo meraviglioso David LaChapelle, i colori di Stanley Kubrick, la luce del Mantegna, Inception di Christopher Nolan. Il canale sensoriale che utilizzo maggiormente è quello uditivo, poi quello cinestetico e infine quello visivo. Insomma, tendo l’orecchio e resto con il cuore aperto.

Sono componenti essenziali della narrazione drammaturgica, la sfida è quella di essere fedeli ai libretti, ma immaginando un’estetica che sia emozionante, nuova, immaginifica. Ma è la storia del teatro che è anche un luogo di sperimentazione tecnologica. Cosa c’è di strano? Eschilo si era inventato una passerella che si muoveva da sola grazie alla tecnologia navale del tempo. Voglio usare con creatività tutti gli strumenti a disposizione di una messa in scena non passatista. Comprese le video animazioni. Insomma, fare spettacolo in un’epoca abituata al video e alla video arte, alle clip e al digitale, alla contaminazione. L’arte va “sdata”, ovvero data all’ennesima potenza. Il teatro è fatto dai vivi per i vivi, anche se questo porta a volte lo spettatore fuori dalla sua comfort zone e può farlo arrabbiare. Questo è un cammino che ho iniziato da anni e in cui c’è molto da fare.

Volevo tanto essere un uomo di mondo.

Sono un uomo di mondo, ho fatto tre anni di militare a Cuneo. Non la conosce? È una delle battute più famose di Totò durante lo storico sketch del vagone letto, quando si trova a dover fronteggiare l’onorevole Cosimo Trombetta in Totò a colori. Ho iniziato a cantare nel ’93 e la carriera da baritono mi ha portato vicino a grandi personaggi come Luciano Pavarotti o Placido Domingo, José Carreras, su palcoscenici importanti quali la Scala, la Fenice e Roma. Vuole sentire un acuto? Sono ancora in formissima.

Il falco della Regina, velocissimo nel volo. Un combattente dell’aria. Le sue vertiginose picchiate in mare sono meravigliose. Le scogliere dell’isola di Salina ne sono piene.

Le mie picchiate sono tuffi al cuore. Succede quando mi innamoro di un’idea, di un progetto, quando guardo le persone che amo, i miei figli, quando ascolto musica, quando penso a qualcosa che mi fa stare bene. E continuo ad averne di tutti i tipi.