La drammaturgia dell’interruttore in Circle Mirror Transformation. La partitura di luci di Alessandro Verazzi

Entrano in scena senza fretta, i personaggi, mentre dispongono specchi mobili ai lati dello stanzone, uno spazio rimediato alla meglio, qualche sedia recuperata forse da una vecchia platea o da una sala d’attesa, per terra grossi cerchi per fitness e per gioco (a un certo punto, Valerio Binasco ne indossa uno e, ruotandolo attorno alla vita e ai fianchi, si lancia in una prova di hula hoop). L’atmosfera è segnata da un palpabile imbarazzo e da un senso di spaesamento.

È andata in scena, dal 28 aprile al 3 maggio, al teatro Strehler di Milano, la pièce Circle Mirror Transformation per la regia di Valerio Binasco, che figura anche tra gli interpreti insieme a Pamela Villoresi, Alessia Giuliani, Andrea Di Casa e Maria Trenta, disegno luci di Alessandro Verazzi. Seguiranno Bologna, Teatro Arena del Sole, 14-17 maggio; Osimo (AN), Teatro La Nuova Fenice, 19-20 maggio; Roma, Teatro Argentina 2-14 giugno.

Il testo, nella traduzione italiana di Monica Capuani e Cristina Spina, è della drammaturga statunitense Annie Baker, 45 anni, Premio Pulitzer nel 2014 per The Flick, una delle voci più significative del teatro contemporaneo americano. Le sue opere sono spesso caratterizzate da una scrittura che privilegia la sospensione dell’azione e il non detto, al punto che è stato osservato come nei suoi testi “non succeda niente”, avvicinandoli al minimalismo narrativo di Raymond Carver.

La vicenda riunisce cinque sconosciuti in un’anonima sala di provincia (ben scenografata da Guido Fiorato) nel Vermont, dove partecipano a un laboratorio teatrale.

Ci sono Marty (Pamela Villoresi), l’insegnante, e i suoi quattro allievi: suo marito James (lo stesso Valerio Binasco) che ha una figlia da una precedente unione e con cui da un anno e mezzo non parla; Schultz, un falegname da poco divorziato (Andrea di Casa); Lauren, una adolescente inquieta che sogna di interpretare Maria in West Side Story (Maria Trenta), ma forse in famiglia non appoggiano la sua scelta o forse ci sono solo problemi economici; Theresa (Alessia Giuliani), bella ed esuberante, che è già stata attrice, fuggita da New York e da una relazione tossica per venire a vivere in provincia.

Forse fuggono tutti da qualcosa: da un passato che non riescono ad accettare, da un presente complesso, oppure da sé stessi, da amori sbagliati, da un vuoto affettivo, o l’incapacità di trovare un vero dialogo. Qualcuno avrà detto loro che esiste un “teatro che cura” e, così, hanno deciso di mettersi alla prova, di esporsi, di dare voce alle proprie solitudini, alle paure e al bisogno – spesso confuso – di contatto. Non lo sappiamo.

Nel corso di sei settimane, l’esperienza che vivono somiglia più a una sorta di terapia drammatica che a un vero e proprio corso di recitazione: gli esercizi – scanditi dalle didascalie luminose di Simone Rosset, proiettate sul fondale della scena per introdurre al pubblico le attività e i metodi propedeutici alla recitazione – spaziano dal “ricordare” all’“ascoltare”, dal “tu sei me” fino a momenti più leggeri e ironici, in cui i partecipanti sono invitati a trasformarsi in un albero o in un guantone da boxe.

Mentre i partecipanti continuano a domandarsi, invano, quando arriverà “la vera recitazione”, senza accorgersi che è forse già lì, in quel lavoro minimo e continuo sul proprio stare in scena e nel mondo. È proprio in questa cornice che si chiarisce il senso dell’esperienza: un luogo in cui non si insegna a recitare, ma a sentire, a percepirsi, ad ascoltarsi, a cercare sé stessi, fino a entrare nella mente dell’altro e a farsi, almeno per un istante, altro da sé.

Nel titolo di Annie Baker, Circle Mirror Transformation, si condensa già l’intera architettura poetica del testo: un vero triangolo semantico in cui ogni elemento rimanda agli altri in un continuo gioco di riflessi e rinvii. La scrittura di Baker procede per ellissi, affidandosi al non detto e ai silenzi che, come l’autrice stessa osserva in una rara nota al testo, “hanno lo stesso valore del dialogo”.

Il “cerchio” allude innanzitutto alla disposizione fisica del gruppo durante gli esercizi di recitazione, ma indica soprattutto un campo relazionale chiuso e in costante mutamento, che modifica incessantemente chi vi prende parte; in cui ciascuno è al tempo stesso osservatore e osservato, tutti sono simultaneamente coinvolti ed esposti. Lungi dal produrre equilibrio, questo dispositivo genera un campo di tensioni minime ma persistenti: desideri non dichiarati, timidezze, attrazioni laterali, esclusioni quasi impercettibili.

È proprio in questa configurazione che si innesta il secondo elemento del titolo, il “mirror”, lo specchio di Baker che non restituisce un’immagine coerente, bensì frammenti, una moltiplicazione di variazioni, come effetto dello sguardo altrui. Lo specchio diventa così un circuito dinamico, non una superficie statica. Ogni volta che sembra emergere una definizione, essa viene continuamente riformulata nello sguardo dell’altro. Il terzo elemento, la “trasformazione”, non coincide con un esito definito. Nel testo di Baker, ciò che accade è più sottile: una sequenza di micro-spostamenti percettivi, quasi impercettibili, generati dal contatto con l’altro, che impediscono qualsiasi stabilizzazione definitiva.

Uno degli aspetti più caratteristici del disegno luci è il ricorso reiterato all’accensione e allo spegnimento, che struttura lo spettacolo come una vera e propria partitura. Non si tratta di semplici variazioni luminose funzionali al passaggio tra le scene: emerge piuttosto una “drammaturgia dell’interruttore”, un dispositivo essenziale nella forma ma complesso negli effetti, capace di trasformare un elemento tecnico in uno dei principali motori della percezione e della costruzione di senso. Abbiamo approfondito il progetto illuminotecnico con il lighting designer Alessandro Verazzi.